“Chicos, otra vez chicos, pero esta ocasión no se trata del inseguro pero potente efebo que marcha alegre hacia la batalla, sino del herido, resignado y constante Sísifo, que a pesar de la adversidad sale victorioso desde el momento en que es consciente del absurdo de su terquedad…” Prett Rentería.

Las historias a las que nos tiene acostumbrados Tony Solis retratan la fragilidad y lo vulnerable de ser joven; usualmente vemos rostros apacibles, de semblante sosegado; personajes que relatan historias convincentes sobre la búsqueda y la necesidad de ser uno mismo. Ésta es una exposición que representa madurez y continuidad para su trabajo, su última expo (La marcha de los gatitos apachurrados, 2015), fue un homenaje a un video de una banda de guerra de gatitos. Ésta parece el ocaso de esa guerra a la que se abrió camino, que sin ser escandalosa, exhibe a personajes que cuentan historias con acento en el estoico pensamiento de Cicerón, mas una dosis del sentido del humor que caracteriza a Tony. Los cuerpos y rostros —esta vez heridos e imperfectos—, son testigos de cualquier hazaña, la que te imagines en nombre del amor. Esta exhibición habla más sobre las pequeñas cosas, sobre ser y actuar con valentía y entereza ante la derrota.

Tony actúa positivo haciendo frente a las adversidades, para los que conocemos de cerca su trabajo, sabemos que ser renuente a lo que no lo hace sentirse identificado, ha sido uno de los aciertos que más caracterizan a su trabajo.

Todas las batallas en nombre del amor merecen ser contadas. Love Is Not a Victory March abre sus puertas el sábado 26 de mayo a las 11:00 am en la Galería Enrique Guerrero. General Juan Cano 103, San Miguel Chapultepec, CDMX. Entrada libre.

Por: Alberto Rebelo

La música de Skepta está llena de influencias de las calles de Londres, donde se originó. Fue creciendo y en París se convirtió en un icono del hip hop. Para esta subcultura de ritmos, rimas y mucha actitud, hay iconos y símbolos que los identifican con una estética urbana. Ilustraciones inspiradas en el grafitti, ropa holgada, y tenis deportivos. En este último elemento es donde el hip hop adopta a Nike como marca de culto, y la marca, inspirada en esta conexión cultural entre dos lugares diferentes unidos por una vía de tren, para crear el diseño de Nike Air Max BW.

“Le classique” es el nombre que han adoptado para este modelo de calzado deportivo en las calles de París. No por nada es el modelo más vendido en Francia. En esta ocasión el rojo, azul y blanco son los colores que representan la fusión entre la energía de esta ciudad mezclado con los sonidos de Londres. Para Skepta, el color blanco representa lo refrescante de las cosas nuevas que resuenan al mezclar dos culturas.

Presumir entre amigos los nuevos tenis con la burbuja de aire visible, esto fue el inicio de una silueta de culto. Un candado en las fotos de la campaña, es la firma del artista, que más que el amor, representa el sentido de hermandad que existe entre la subcultura del rap y hip hop en cualquier ciudad del mundo.

El Nike Air Max 97/BW SK estará disponible a partir del 19 de mayo en Lust Masaryk.

Por: Daniela Navarrete

Más de 130 metros cuadrados exhiben la colección prêt-à-porter de mujer, además de una serie de accesorios como bolsos, zapatos, mascadas y carteras. Pero éste no es sólo un espacio para la moda. Intercalado con piezas de la última colección, e igualando la misma atmósfera de otras tiendas alrededor del mundo, en conjunto a las prendas hay obras de arte y piezas artesanales que han sido especialmente seleccionadas para este espacio. Una escultura del artista italiano Ugo la Pietra está colocada junto a una vitrina de bolsos, mientras que los tapetes tejidos del maestro británico John Allen descansan sobre la pared. Al fondo, una pared ha sido creada con más de seis mil hojas de cerámica apiladas una sobre otra para crear un efecto que pareciera una obra hecha a base de pinceladas.

El concepto en su totalidad es del Director Creativo Jonathan Anderson, un diseño que inició en Tokio y que llegó a su máxima expresión en la tienda insignia de la avenida Serrano, en Madrid.

Bautizada también como CASA LOEWE, desde aquí, la principal y única boutique de la marca en América Latina, se juntan el presente, el pasado y el futuro de la firma española.

La primera flagship store de Loewe en México abrió sus puertas al sur de la ciudad, en el centro comercial Artz Pedregal.

Por: Fernanda Sela.

Más de 15 minutos de fama, 50 años de tradición... 

Sabemos lo difícil que es para todos los involucrados —y más en una era digital como la que estamos viviendo—, el hecho de mantener viva la tradición de trabajar en un medio que imprime en papel. En México han sido varios proyectos que vieron la luz y años después tuvieron que cerrar sus puertas o emigrar a estos aposentos, —mención honorífica a Baby Baby Baby y Celeste—, hacer una revista impresa y encima hacerlo bien no es tarea fácil. Hoy Interview Magazine, una de nuestras favoritas, con más de 50 años de existencia desde su fundación por Andy Warhol, acaba de anunciar su última edición.

Probabilidades de que sea por asuntos legales o administrativos hay muchas, no incursionaremos en hablar del trasfondo "personal" del medio, o de las acusaciones por acoso de algunos de sus miembros, o la flaqueza de la economía y la recesión de los medios impresos, pero su ausencia, como la de los grandes, generará añoranza. Esta última edición será el punto final de su aporte a la cultura, sus propositivas portadas pendiendo entre arte y moda, su aportación de respeto y visibilidad a la comunidad LGBTQ y a la misión de impulsar innumerables carreras de artistas y periodistas que intervienieron en su labor.

Por: Alberto Rebelo

Si unos jeans contaran su historia, seguramente narrarían la vida adulta de una persona, la rutina diaria y también los momentos importantes. Un par de jeans tienen una relevancia clásica asegurada, es muy poco probable que pasen de moda. Y menos un estilo clásico como los 501. Son los que mi mamá se ponía apurada para llevarme a la escuela y que ahora, veinte años después, le enseñé a deshilachar para combinarlos con zapatos de tacón bajo.

Si los 501 de Levi’s contaran su propia historia, ésta empezaría en 1873, cuando los trabajadores que se marcharon al oeste americano en busca de fortuna necesitaban pantalones resistentes para el trabajo. Para ellos, Levi Strauss y Jacob Davis crearon el primer par de jeans reforzados con remaches: el Levi’s 501. De un inicio puramente práctico (con botones metálicos porque surgieron antes de la invención de los cierres), han formado parte de movimientos históricos, de la voz de distintas generaciones y se han vuelto un emblema democrático para hombres y mujeres.

Un buen objeto de diseño permanece casi estático con los años y termina por volverse un ícono cultural. Ayer Levi’s celebró el 145 aniversario de los blue jeans en México con el 501 Day y su historia nos enseña algo, es que vivirán 145 años más.

Por: Rodrigo de Noriega

La colección Cactus por Tane nace de la naturaleza. La omnipresencia de esta especie en México es el pretexto para una nueva serie de 25 piezas, de las cuales 10 han sido realizadas en plata, 9 en plata con vermeil y el resto en una combinación en la que por primera vez se utilizan piedras naturales como ojo de tigre, malaquita, lapislázuli y ágata.

En el territorio mexicano se encuentra el mayor santuario de cactus del mundo con más de 50 tipos diferentes. A partir de sus distintas formas; dijes, anillos y pulseras han sido modeladas en plata, partiendo de la anatomía curva de esta especie vegetal. Algunos diseños toman como punto de partida su textura con espinas, mientras que otros las formas circulares y la aparente estrella vista desde arriba. En conjunto, la colección es un homenaje a esta planta que durante siglos ha representado la riqueza cultural del país.

Mira el video para ver el making of de la colección.

Cactus por Tane

Por: Fernanda Sela

Cada minuto, en algún lugar del mundo, se vende una de estas botellas color marrón, cuya forma tanto nos recuerda a la tradicional botica del East Village en donde hace más de 150 años empezó esta marca. Pero hablemos de la pócima que guarda: 50 ml de una fórmula anti-edad que los eruditos de Kiehl’s han pasado años perfeccionando desde que la lanzaron por primera vez en 2005. Después de 89 variaciones, el secreto –en realidad no tan secreto– de la fórmula final de este suero consiste en la combinación de vitamina C al 12.5% sumado al ácido hialurónico, dos ingredientes que juntos multiplican sus efectos hasta alcanzar su máxima potencia. La promesa: mejora la textura y luminosidad de la piel, reduce la aparición de líneas de expresión y estimula la producción de colágeno.

Kiehl's, Powerful Strength-Line-Reducing Concentrate.

Por: Fernanda Sela

En fiestas en las que en una misma playlist suena desde New Order hasta La Roux, podemos percibir cómo nos siguen influenciando sonidos derivados de esta corriente electrónica llena de sintetizadores. Con bandas como Depeche Mode y Erasure visitando México, estamos seguros de que el synth pop de los ochentas sigue presente en las pistas de baile. Incluso en esta misma fiesta hipotética, el shuffle de la música puede llegar hasta LCD Soundsystem. Quienes tuvieron la oportunidad de verlos hace unas semanas en el Pepsi Center seguro querrán volver a este mismo espacio para ver a The Human League el próximo sábado.

Delineador de ojos negro y abrigos de peluche. Letras que riman y no necesitan explicaciones. Esto son los ochentas para la banda inglesa. Pero no solo musicalmente fueron y siguen siendo relevantes. El arte de su disco Reproduction, que mostraba una fotografía de una pista de baile con niños recién nacidos en el fondo, y que parecen ser pisados por zapatos de tacón rojos; fue un tema polémico durante su lanzamiento, y Ware, ex miembro del grupo, tiene un antecedente que explica el tono industrial oscuro y con tintes Sci-Fi de la propuesta visual. Ware trabajaba como operador de cómputo por las noches;  jugando con codificación .matrix creó un póster para uno de sus primeros eventos. Hoy el cartel es nostálgico, pero en su momento esa era la estética futurista.

El imaginario que se crea al producir música está directamente ligado al tipo de arte visual de una banda; una portada, el vestuario que usan, o un video musical. Definitivamente hay mucho en los orígenes de The Human League y la forma en la que fueron pioneros de la mezcla entre sonidos y visuales, que hace que hoy más que solo una canción para bailar en la madrugada, sean una referencia e inspiración relevante.

Por: Daniela Navarrete

De unos años a la fecha, la manera más eficiente para que los consumidores de moda se empapen de los proyectos locales ha sido el formato de bazares o eventos temporales que reúnen una selección específica de diseñadores de moda, accesorios, joyería, y muchas veces también mobiliario y objetos. Cada iniciativa tiene una identidad propia que se ha consolidado con el paso del tiempo, así como su propio grupo de clientes, quienes están a la espera de la próxima edición.

A finales del año pasado surgió Somos Distrito, una nueva propuesta que era al mismo tiempo venta y meet & greet con diseñadores de 19 firmas mexicanas, entre ellas: Ocelote, Children of Our Town, Caralarga, Cynthia Buttenklepper, Chabe, Shinae Park y The Pack. A diferencia de otros bazares, además de que los diseñadores están presentes, lo que les da la posibilidad de acercarse a sus consumidores, es que la plataforma le pertenece a las propias marcas; son ellos mismos quienes se organizaron. “El proceso fue muy natural, muchos de los que formamos parte de Somos Distrito ya teníamos la fortuna de ser amigos”, comenta Natalia Ferriz, directora creativa de COOT.

El evento tiene a su favor que cada proyecto tiene una trayectoria y está consolidado, además de que lo integra una generación que busca repensar el modelo de consumo de moda (y la propia industria) en nuestro país. Por esto se han aliado con luv.it para la que será su primera pop- up. La app, que acaba de llegar a México, incentiva el comercio justo y la importancia del slow fashion a través de una tienda en línea que reúne a proyectos de moda sustentable de todas partes del mundo y que destina un porcentaje de sus ganancias a organizaciones que están cambiando la industria textil. Todo con el fin de amplificar el mensaje: together we can fix fashion.  

Por: Rodrigo de Noriega

I was working as a waitress in a cocktail bar… los dientes más chuecos de la historia cantando a la pantalla y ese lunar… Don’t, don’t you want me, baby… seguramente escuchaste esta canción, y la sigues escuchando hasta la fecha y hasta el cansancio. No por nada vendió más de un millón y medio de copias en su país natal y sigue estando vigente hasta hoy.

No sé si me entra la nostalgia porque yo trabajaba como mesera en un bar de cocteles cuando lo conocí o porque esa rola me trae muy gratos recuerdos, pero cuando escuché que venía The Human League a México sentí una emoción genuina. Más allá de la chavoruquez que les manejo, nunca está de más rayar la pista con un tecladito con lo más puro del synth pop. Y claro, son también unos genios de la buena balada, como Human o Eyes without a Face, aunque ésas sí sólo las conocen bien los fanáticos muy clavados o quienes fueron adolescentes o adultos en esa década, si nunca las has escuchado y eres fan de la música ochentera o de la cancioncita romántica, te las recomiendo ampliamente.

Además, es la primera vez que podremos ver a este trío en México, aunque de la banda original solamente queda el elemento más importante, el vocalista y compositor Philip Oakey.

El 15 de mayo empieza la preventa, así que no te pierdas la oportunidad de disfrutar en vivo un recorrido por las nueve producciones de esta legendaria banda británica que nació en 1977 con influencias de sonidos de otras bandas también legendarias como Kraftwerk o Roxy Music, y que a su vez ha inspirado otros grandes como Pet Shop Boys o Madonna.

*The Human League se presentará este 19 de mayo en el Pepsi Center del WTC. 

(15 de marzo - Preventa exclusiva Scotiabank).

Compra tus boletos aquí.

Por: Daniela Valdez

Gemma Shiel siempre cambia el color de su pelo o viste algo por lo que la gente en la calle la voltea a ver. En 2011 fundó Lazy Oaf, marca que a pesar de tener un inicio improvisado —cuando su madre le sugirió trabajar las ilustraciones que hacía para libros infantiles, en playeras— hoy cuenta con su propia identidad y lenguaje visual.

Con un aire londinense, humor sarcástico, y el estilo irreverente que la caracteriza, Gemma intervino algunas de las piezas clásicas de Vans para su nueva colección. Esto es lo que nos contó acerca de esta colaboración:

Lazy Oaf comenzó como una marca exclusivamente para hombres. Vans, por otro lado, iba dirigido a hombres, mujeres, y niños —de hecho, en sus inicios se les llamaba Vans Family Shoe—. Ahora, ambas marcas se enfocaron en crear una colección para mujeres. Aunque claro que no existen reglas en cuanto a la moda, y menos al tratarse de Lazy Oaf.

  Las colaboraciones entre dos marcas no son fáciles. Para que tengan sentido debe haber diferentes elementos, uno de estos es que las marcas involucradas sean suficientemente distintas para que la combinación sea enriquecedora, mientras que al mismo tiempo exista una base en común. Para Vans y Lazy Oaf, es la visión creativa de las mentes jóvenes; el sentimiento de ser un outsider que además disfruta serlo.

“Queríamos jugar con el print, elevarlo con las ilustraciones de ojos y usarlo como un simple detalle en la ropa y los zapatos.”

Para crear un vínculo fuerte con el otro lado del objeto, no sólo fusionan dos identidades distintas, si no que crean una nueva teniendo en mente el motivo que los conecta. Gemma encontró con Vans un punto medio en el clásico estampado de cuadros blancos y negros: los checkers. Estos tenis son reconocibles en cualquier lugar, y aunque pueden recordar desde un estilo preppy noventero hasta una estética punk, Gemma decidió darle su propia interpretación al print con un toque divertido muy a su manera: ilustraciones de ojos que intervienen el patrón.

Encuentra a partir de hoy la colección exclusiva en lazyoaf.com

Por: Daniela Navarrete

Resulta interesante que en una marca de joyería tanto el diseño de sus piezas como los materiales y acabados jueguen no sólo el rol de ornamento para el cuerpo, sino que también lo vistan de ideas y concepto. VARON funciona así, sabe de proporciones humanas y consigue un equilibrio perfecto entre los diseños y las ideas. Con esta premisa se ha posicionado como una de las marcas de joyería con mayor propuesta en nuestro país.

Este sábado VARON inaugura una Pop Up Store en Ikal Concept Store, que estará abierta al público durante todo mayo. Para la inauguración, la marca mexicana dirigida por Aaron Changpo presentará una pieza performática inspirada en uno de los principales conceptos que describe a la marca: “Foreign Bodies that become part of our bodies” escrito por Lara Konrad y dirigido por Alana Burns.

El mobiliario de la Pop Up Store fue diseñado por Pol Augustí y MINERALIA, complementado con minerales, fósiles y piedras preciosas de PUNTO MINERAL, elementos que vestirán el espacio.

Para Aarón es importante que los conceptos permeen toda la experiencia en torno a su marca, así, un evento como éste se convierte no sólo en un punto de encuentro para compradores o curiosos, sino en una experiencia de valor para todos los invitados.

Por Alberto Rebelo, fotografías cortesía Aaron Changpo

La Roma y la Condesa comparten una riqueza cultural desmedida, enmarcada y resguardada por edificios de principios del siglo XX y un paisaje urbano emblemático, lleno de parques, fuentes y monumentos. Son colonias amigas, hermanas, que se han sacudido y caído en más de una ocasión; pero se han levantado aún más fuertes y positivas gracias a iniciativas como el Corredor Cultural Roma Condesa, que se encarga de sumar esfuerzos para ofrecer un abanico de razones por las que sigue, y seguirá valiendo la pena visitar y reconstruir la historia de esta zona de la Ciudad de México.

Desde el 2009, el CCRC ha impulsado a vecinos y externos a revalorar los espacios y la cultura, y a promover los esfuerzos de la comunidad creativa de la zona. Hasta hoy se han organizado dos ediciones del evento cada año, pero partir de ésta, -la vigésima edición-, será una vez al año, durante la primavera.

En esta ocasión algunos medios aliados al evento ofrecerán recorridos por las colonias bajo su visión. En su división de “Eventos especiales” se hará memoria de la tragedia del 19S con una muestra de documentales sobre el suceso y la gente involucrada en las actividades de apoyo y rescate. Distintas galerías de arte y diseño expondrán y subastarán piezas de diferentes disciplinas. La presencia de las pop up stores, sobre todo con marcas de diseño mexicano estarán presentes. Desde la fotografía, hasta la música, la gastronomía y la moda, diversos proyectos vivirán de sus formatos y espacios ofrecidos al público durante un fin de semana. En conjunto, definiría el CCRC como una propuesta de coalición social, donde todos los involucrados son piezas y engranes trabajando a favor de la cultura creativa de nuestra ciudad. Para vivir mejor la experiencia es importante saber que no hay una ruta establecida, deja que tus gustos e intereses desarrollen tu propia ruta.

ccromacondesa.mx

Por: Alberto Rebelo

Nuestra nueva edición impresa, Raíz, nos ha permitido regresar a un estado creativo a partir de cuestionarnos los propios fundamentos de la industria en la que trabajamos; del proceso técnico con el cual se hace una fotografía, o del origen del material con el que se construye una casa o se visten nuestros cuerpos.  

Estamos felices de compartir este número y queremos conmemorarlo con la prenda más democrática de la moda. Hacer un número limitado de camisetas con una fotografía que estuvo entre las opciones de portada, es un ejercicio para llevar las imágenes que nos sentimos orgullosos de producir a un nuevo lienzo.

Las camisetas 192 están disponibles como cortesía en las suscripciones anuales o tienen un costo de $192.00 pesos, puedes hacer tu pedido vía DM por Instagram. Las tallas disponibles son S, M y L.