Los ojos de otro

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La fotografía como punto de partida y no como documentación, para leer, a través del lente de Jimena Carranza, la obra arquitectónica de Mayer Hasbani. Hoy se inaugura la exposición que muestra el trabajo realizado en mancuerna, donde se podrá percibir la obra arquitectónica a través de otra manifestación artística, la fotografía. El video es una probadita del proceso de creación de las fotografías y la cita es en la Galería Proyecto Medellín (Medellín 57, Roma), donde se exhibe (hasta este domingo 11 de junio), ‘Arquitectura a través de un lente’: Mayer Hasbani por Jimena Carranza.

Por: Danaé Salazar

I get around

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TokyoBike, la marca japonesa de bicicletas urbanas, fundada en 2002, acaba de llegar a México. Con un fuerte énfasis en la calidad y el diseño, en sus diferentes modelos, que son simples y sencillos pero muy atractivos, lo que destaca es la funcionalidad.

Siguiendo la filosofía Tokyo Slow, la idea es que montar una de estas bicicletas haga que el recorrido sea lo más ligero posible, sin esforzarse demasiado para dar un paseo por la ciudad. Su diseño está pensado para ello: las ruedas y el marco son más pequeños y ligeros de lo normal, por lo que también pesan menos. Y los colores han sido cuidadosamente seleccionados, un amarillo mostaza, un verde menta, o por qué no, un diseño completamente blanco. Algunos modelos tienen puños y asientos forrados de piel y con remaches de cobre, producto de la colaboración con la marca de accesorios para bicicleta Brooks England.

Como complemento a las bicis, en el showroom de TokyoBike, en la colonia Roma, hay también chamarras y mochilas impermeables de la danesa Rains, pantalones de mezclilla de María Peligro y accesorios como campanillas de diseño especializado.

Tabasco 242, Roma Norte. @tokyobike_mx 

Texto:  Carlota Rodríguez
Fotografía: Cortesía de TokyoBike

Andy Warhol: Estrella Oscura

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Warhol es el artista que modificó el rumbo del arte en la segunda mitad del siglo XX. Su retrato de las sociedades industrializadas, que al principio se calificó de banal, y se materializaba en cajas de detergente elaboradas en madera y grandes lienzos de serigrafía con latas de sopa Campbell’s, era una crítica mordaz sobre la cultura que nos adoctrina y nuestra fascinación por las imágenes.

Estrella Oscura es la primera gran retrospectiva de su obra en México y se estrenó el pasado viernes en el Museo Jumex. La exposición curada por Douglas Fogle cubre los primeros diez años del trabajo del artista estadounidense, un momento en el que su trabajo se separa de la ilustración comercial para encontrar una identidad propia, pero antes de que él mismo se volviera una celebridad y comenzara a hacer retratos por encargo.

Estrella Oscura juega con el origen de la palabra desastre (del italiano “des astro”), y que se entiende como una señal de mal augurio o la influencia de los astros en el destino personal. Así, mientras Warhol tomaba imágenes de choques automovilísticos y muertes accidentales del periódico, que daban 15 minutos de fama a sus víctimas, también reproducía a Marilyn o Elizabeth Taylor, quienes estaban en el centro de los tabloides por sus desastres personales.

El proceso de repetición, la pérdida de la originalidad y el cuestionamiento por la autoría, argumentos que los artistas siguen abordando en sus trabajos, y que si bien en el arte suceden antes de Warhol, con Duchamp, por ejemplo, Warhol los trabaja hasta que se integran a la cultura popular. Ahora aceptamos el Pop como una corriente en la historia del arte, pero debió de haber sido desconcertante entrar a una galería a ver sólo cajas en el piso. Al salir de esta muestra entonces, uno piensa: “¿El futuro del arte está en un Oxxo que se interviene con estampas? ¿En un meme que se hace para resignificar una pieza clásica de arte?” Una exposición imperdible.

Texto: Rodrigo De Noriega
Fotografía: cortesía del Museo Jumex

Lacoste: diseño atemporal

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Es el año 1930. Una mujer con un traje sastre azul cielo, guantes y sombrero blanco corre en una estación de tren. Va con prisa, y despistada, choca con un hombre de abrigo largo color beige, que debajo de un suéter tejido y con cuello en V lleva una polo en tono hueso. Es una polo Lacoste, ese diseño atemporal que nació cuando René Lacoste acortó las mangas de su uniforme de tenis para lograr mayor libertad de movimiento en el deporte.

Así comienza esta historia que sobrepasa el tiempo y que el filme Timeless cuenta para celebrar 80 años de historia.

La singularidad de los objetos cotidianos

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Un nuevo espacio de más de 100 metros cuadrados, en plena colonia Juárez, es la nueva tienda insignia de Utilitario Mexicano. Utensilios, herramientas y accesorios de uso común, todos simples pero muy útiles, y que tienen en común la funcionalidad, son parte del proyecto iniciado hace dos años por Libia Moreno y Enrique Arellano.

La idea nació de su propia colección de objetos que son parte de la cotidianidad, y que a través de este proyecto buscan rescatar y revalorizar. La tienda sola, que aloja una selección de más de 1,500 objetos para casa, cocina y papelería; clasificados por material, uso, color o categoría, son un retrato de los diferentes hogares de México y su historia.

En el lugar hay todo lo que necesitas: artefactos funcionales y prácticos como tazas de peltre, exprimidores de aluminio, prensa de tortillas, teteras de cobre, recipientes metálicos y delantales de algodón. De hecho, ya los conoces, los has visto en diferentes casas y mercados. Pero eso no importa. Lo que destaca aquí es que al entrar deseas todo lo que hay. Lo que hace Utilitario Mexicano es proponer una curaduría de objetos producidos en talleres especializados de herrería, carpintería y cerámica, y en los que la calidad y el diseño son los factores determinantes. Además están hechos para durar, pues una de las motivaciones del proyecto es la preservación de estas piezas. Otra prueba de que la diferencia está en los detalles.

Texto: Fernanda Sela
Fotografías: cortesía Utilitario Mexicano

Sioux

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Ir a tiendas fast fashion puede convertirse en una sobresaturación visual en donde la ropa queda en segundo plano. A pesar de que los precios sean quizá el mayor incentivo para comprar, la calidad deja mucho que desear. Pero Sioux es todo lo contrario a esos establecimientos.

Este espacio creado por Claudia Gutiérrez, ubicado en Havre 68, en el tercer piso de una casa clásica de la colonia Juárez, tiene una curaduría extremadamente bien pensada. Claudia trae a México marcas internacionales altamente deseables, entre ellas Acne Studios, con su estética básico-vanguardista de Suecia; BLK DNM con su ropa funcional y dinámica de Nueva York; Filles à Papa como la propuesta urbano-rockera de Bélgica; y Maison Kitsuné y A.P.C., con prendas que dejan entrever sus orígenes franceses.

Sioux es exactamente el tipo de tienda que se necesita en un mundo tan saturado de moda. Su atmósfera calmada y silenciosa, además de la atención personalizada, hacen de este lugar un oasis para todos aquellos que buscan una pieza singular, especialmente por su diseño y su origen.

Por: Alan Gómez B.

Cihuah 'Génesis'

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El escenario son las ruinas de una construcción antigua y con presencia, lo que alguna vez fuera la primera iglesia anglicana en México; un lugar que en automático despierta la nostalgia, y que ligado a un desfile de moda, inspira. El techo es alto, al igual que los grandes ventanales iluminados de color verde, rojo, de pronto azul. Anochece. Ha sido un domingo callado en la Ciudad de México y la atmósfera se respira tranquila. El acontecimiento por el cual todos estamos reunidos comienza: en el piano, el músico británico Michael Nyman marca la pauta para las modelos de pasos calmados, quienes presentan la colección Otoño 2017 de CIHUAH.

‘Génesis’ constituye el regreso al origen y los principios en los que se basa la propuesta de la firma mexicana sobresalen: las bases geométricas, la estética contemporánea, el diseño elemental. En la paleta de color, sobria pero contundente, reinan absolutamente el blanco y el negro, dando forma a siluetas contrastantes y estructuradas, de cortes minimales. Es evidente la influencia arquitectónica de la directora creativa Vanessa Gückel, además de la manera tan particular de concebir el cuerpo y retratar las distintas facetas de la mujer. Las piezas contrapuestas, una frente a otra, parecen iniciar un diálogo. La atmósfera se torna solemne. La moda impone. Al fondo, el piano continúa sonando. La piel chinita.

Por: Fernanda Sela

Una comunión

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Beber mezcal es un ritual, se dice. Y sí. Esta afirmación, más que un cliché, es una declaración que enfatiza la magia que envuelve a esta bebida impregnada de misterio, y que se bebe como parte de una ceremonia.

Uno puede dar el primer sorbo —de un vasito de veladora, o como se acostumbra en distintos lugares desde hace tiempo, de una jícara— y sentir que es parte de una memoria compartida. Los que participan lo saben: las conversaciones largas, los bailes, las risas, las historias; el mezcal es un rito que se realiza en conjunto y que encima rinde tributo a la naturaleza.

Haciendo honor a su nombre, Mezcal Amores demuestra su amor por México y la cosecha del agave. Su proceso es completamente artesanal: todo está en manos del maestro mezcalero, quien durante años espera con paciencia que la naturaleza esté lista para que la celebración pueda suceder. Es el tiempo el ingrediente fundamental en cada botella. Y se ha de beber con el mismo respeto que se crea: despacio y con cautela, sabiendo que es sólo en comunión que su efecto se potencializa.

Por: Fernanda Sela

The New Americana

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Ver trabajar a Raf Simons es como recibir un balde de agua fría. Rompe con la manera tradicional de hacer moda y con los estereotipos que tenemos de ese genio creativo que imaginamos detrás de una marca haciendo bocetos en su escritorio. Su proceso es totalmente contemporáneo. Su aproximación a las prendas es a través del diálogo, sus referencias se materializan después de conversaciones largas y dependen de su inagotable glosario de terminados y posibilidades. La innovación en lo que hace se nota en pequeños gestos, como un bolsillo volteado o una prenda clásica que ha sido repensada. Por eso Simons y Calvin son una pareja que parecía predestinada a suceder.

En la primera colección de Raf Simons como director creativo en Calvin Klein, todos los elementos emblemáticos de esta marca —que son los de la propia moda americana— han sido transformados. Las camisas western, con cuellos más altos y bolsillos más grandes, los vestidos de coctel que tienen dos capas de transparencias, una en organza y otra plástica encima, y los sacos y abrigos, se adelgazan pero mantienen una estructura rígida en los hombros. Seremos testigos de los buenos tiempos.

Por: Rodrigo De Noriega

The Feathered

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En la entrada de Emilio Castelar 22 un letrero rojo con letras blancas anuncia The Feathered. En el interior, ropa cuidadosamente seleccionada por Sharon Drijanski, fundadora de este espacio que sirve como plataforma para los talentos globales emergentes.

The Feathered es descrita por lo general como una concept store. Y aunque en México ya hay varias tiendas a las que se les acuñe este término, la diferencia aquí es que el concepto de consignación no existe. Es raro encontrar en la Ciudad de México tiendas con esta estructura de negocio, que apoyen a los talentos jóvenes, pero para Sharon esto es indispensable por respeto a los diseñadores y a su trabajo.

Lo que define la curaduría de las prendas, además de su calidad, es el excentricismo que corresponde a una identidad fuera de lo común. Aquí lo básico no existe. Si buscas una t-shirt blanca, encontrarás una, pero con un estampado o letras tridimensionales. Si buscas una camisa blanca, encontrarás una, pero con rasgaduras y quemaduras. Y si buscas una chamarra de piel negra, encontrarás una, pero con mangas de peluche.

Siempre habrá un ‘pero’ para lo ordinario, lo común, pues eso es lo que hace a The Feathered auténtica. Vaquera, Vejas, Aalto, Y/Project o Area son algunas de las marcas internacionales que forman parte del proyecto, y Anndra Neen y Children of Our Town, de las nacionales. A pesar de que muchas son relativamente nuevas, destacan por tener una identidad fuerte. Esa es precisamente la propuesta de Sharon.

Por: Alan Gómez B.

Cuerpos Desobedientes

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Hay algo que fascina de ver el icónico Cone Dress (1983/4) color negro de Jean Paul Gaultier, recostado sobre una base y yuxtapuesto a una de las esculturas de la serie Figura Reclinada de Henry Moore. Disobedient Bodies es así: fascinante. La exposición sorprende, asombra y despierta nuevas preguntas alrededor de la moda; una prueba más de que ésta puede utilizarse para explorar diferentes conceptos.

Y es una exposición de moda, seguro, pero no una convencional. Incluso para la galería anfitriona, la vanguardista The Hepworth Wakefield, en Inglaterra, rompe con todo lo presentado anteriormente. Prendas de distintos diseñadores, estilos y épocas, desde Madame Grès hasta Comme des Garçons, se exhiben al lado de esculturas y otras piezas de artistas como Louise Bourgeois, Barbara Hepworth o el fotógrafo Jamie Hawkesworth. Y aunque definitivamente esta no es la primera vez que moda y arte se exhiben en conjunto, J.W. Anderson —el contemporáneo británico, un adicto al arte y coleccionista, que además de tener su propia marca está al mando de la española Loewe desde 2013— presenta la moda desde una perspectiva distinta y con una curaduría innovadora.

Una escultura en cerámica de Magdalene Odundo imita la silueta de un vestido negro de Dior de los 50; vestidos de Issey Mikaye cuelgan del techo intercalados con faroles japoneses de papel; el vestido Stockman (1997) de Martin Margiela, un corsé que abraza con fuerza, se muestra al lado de un busto rígido. Así, todas las piezas en la exposición son forzadas a convivir en el mismo espacio, dejando ver sus similitudes y sus diferencias, para hablar del mismo tema: cómo la figura humana ha sido interpretada y repensada por diferentes diseñadores y artistas durante los últimos años.

Por: Fernanda Sela

The Real Deal

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La moda reinterpreta constantemente los códigos estéticos a través del tiempo. Pero hay veces que las prendas simplemente no tienen ese feeling de realidad. No son piezas que se sientan fieles a sus orígenes. Tienen un aire vintage, pero por la tela o la hechura, nada tienen que ver con esa referencia con la que empezaron.

Lacoste ha reeditado looks emblemáticos, pero producidos a partir de materiales reales del archivo de la marca, como el tafetán diamante, el piqué a cuadros o el entrelazado del jersey, a través de una alianza histórica con Supreme.

No es la primera ocasión que Supreme colabora con otra marca, estos representantes de la cultura skate han hecho colecciones especiales junto a Vans, Nike, Comme des Garçons y a principios de año sorprendió al aparecer en la pasarela de moda masculina de Louis Vuitton.

LACOSTE X SUPREME presenta nueve prendas para hombre, en una gran paleta de colores con íconos de LACOSTE como las polos, sudaderas, jogging pants y la chamarra Harrington. Esta colección estará disponible a partir del 16 de marzo en tiendas Supreme y online.

Por: Rodrigo De Noriega

Balenciaga revisitado

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En colecciones anteriores ya había habido indicios de lo que quería lograr: reinterpretar el espíritu de la casa y descifrar sus códigos por medio de diseños contemporáneos. Así es cómo Demna Gvasalia rinde homenaje al legado de Cristóbal Balenciaga, firma que este año celebra un centenario.

Durante su tercera y más reciente entrega hace un par de días en la Semana de la Moda de París, Gvasalia presentó una selección de nueve piezas de archivo que reimaginó para la colección Otoño - Invierno 2017, y de las que únicamente habrá un ejemplar disponible, hecho a la medida.

Una procesión de nueve esculturales siluetas, a las que añadió bolsillos y coordinó con bolsos extragrandes, marcaron la grand finale de una presentación que subraya la grandiosidad de ambos diseñadores para revestir la forma femenina.

Por: Fernanda Sela

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